Camille Viallet et Theo Leclercq

Nous avons voulu dessiner une chaise en bois confortable, généreuse dans ses proportions et empilable. Son nom, Ski, fait référence aux deux traverses qui slaloment entre les pieds avant et arrière et assurent sa stabilité. Le dessin alterne lignes droites (pieds et traverses) et courbes prononcées (assise et dossier). Les sections arrondies des pieds sont identiques, simplement inversées entre l’avant et l’arrière, comme si une même pièce avait été coupée en deux.

La chaise Ski a été produite en quelques exemplaires pour l’aménagement d’un bureau à Lyon (France). Elle est réalisée en chêne massif dans l’atelier parisien du menuisier Léon Morisset.

Cut, fold, pinch est une exposition imaginée pour la galerie milanaise Small Small Space, composée de deux grandes vitrines dans un passage couvert. Le titre, couper, plier, pincer, fait référence aux différents gestes appliqués à des surfaces souples, comme le textile pour l’abat-jour des lampes Midday et le papier pour les horloges Vingt-quatre heures. Ces différentes actions transforment ces surfaces fragiles en objets.

Le papier et le textile guident le dessin de ces objets par la manière dont il se structurent, se tendent et se plient. En cherchant à leur donner un volume, leur forme se précise selon une logique structurelle. Les lampes sont constituées d’une toile qui se gonfle, pincée dans une structure en aluminium. Quant au cadran des horloges, le papier est rigidifié par le pli. Imaginé comme une enveloppe, il se glisse dans une structure fixée au mur qui fait flotter le cadran à quelques centimètre de celui-ci. L’usage du papier nous permet de dessiner le cadran à la craie, donnant ainsi un usage au dessin.

Cut, fold, pinch est une exposition entièrement démontable qui pèse 6,5kg. Exposition du 20 au 23 novembre 2025.

Nous avons voulu évoquer le mouvement du temps par la forme. Sans chiffres, ni signes ajoutés, c’est la déformation même de la matière qui dessine les heures et suggère une rotation suspendue. Avec son cadran en fonte d’aluminium, l’horloge s’approche de la première mesure du temps, soit le déplacement de l’ombre et de la lumière au fil de la journée. La surface contrastée de l’horloge réfléchit les variations du jour et se transforme en fonction de la lumière.

L’aluminium étant très expressif, nous avons réduit le dessin, au plus simple: un carré pensé comme un bas-relief dans lequel nous venons créer douze empreintes circulaires.

La fabrication de l’horloge commence avec une forme en céramique nécessaire à la conception du moule. La terre est un matériau qui nous permet de passer d’un état mou pour créer les déformations des heures, à un état suffisamment solide pour être utilisé comme base de moule afin de couler l’aluminium. Le cadran en aluminium est simplement le duplicata de la céramique que nous avons travaillé et déformé à la main. Il est réalisé par la fonderie FRA, située dans les Ardennes françaises.

Vingt-quatre heures a été imaginé à l’occasion de l’exposition 24 Hours curatée par le designer Jamie Wolfond, invitant 24 designers à dessiner une horloge murale entrant dans une boîte de 50 x 50 x 50 cm.

PAM est une lampe dans laquelle les impressions 3D sont les éléments de connexion. Les quatre pièces imprimées assurent, sans vis ni colle, la liaison entre les différents composants de la lampe : un diffuseur en verre opalin, un tube carré standard, une plaque en aluminium et le câble électrique.

Le nom PAM est l’acronyme de « Pâte à modeler », mais c’est aussi une onomatopée évoquant un choc soudain. Pour concevoir les modèles des pièces imprimées, nous avons utilisé de la pâte à modeler, dans laquelle nous avons pressé le profilé en aluminium et le diffuseur en verre. Nous avons conservé les formes organiques et irrégulières issues de ces modèles.

Edition limitée à 10 exemplaires, acheter ici

Midday est une lampe faite de peu. Sa structure légère en aluminium pince un tissus technique souple. Habituellement utilisé pour filtrer la lumière naturelle, nous avons détourné la toile de store de son usage classique pour l’associer à une lumière artificielle.

Lorsque la lampe est allumée, l’abat-jour ne laisse transparaître que les sources lumineuses qui semblent flotter. Le maillage du tissu filtre la lumière suffisamment pour regarder ces formes lumineuses sans être ébloui. Le recto de la lampe diffuse une lumière tamisée, le verso, laissé ouvert, produit un éclairage indirect plus puissant.

La collection Dots, dessinée pour l’éditeur danois Our Society, se compose d’une chaise et d’une table bistrot en aluminium thermolaqué. Cette collection a été pensée pour une utilisation à la fois en extérieur et en intérieur. Chaque élément de la table et de la chaise est assemblé sans soudure, uniquement à l’aide de vis. Cette construction vissée célèbre l’élément d’assemblage, ici la vis à six pans creux, comme parti pris esthétique participant au dessin de la chaise. Treize vis sont nécessaires à l’assemblage de la chaise comme autant de points ponctuant les aplats de matière.

L’assemblage vissé offre un transport à plat optimisé. Ce système d’éléments indépendants nous a aussi permis d’imaginer une table bicolore avec une pièce centrale contrastante.

Le dessin, réduit à l’essentiel, est pensé en fonction de la réflexion de la lumière sur l’aluminium. La chaise et la table sont des compositions de surfaces planes et courbes contrastant avec l’épaisseur des tranches aux arêtes vives.

La collection Dots est disponible ici. Photos © Peter Vinther

J est une sélection de patères en fonte d’aluminium tirée de la collection Quincaillerie. Nous avons transposé les patères en céramique initialement auto-produites vers un mode de production industrielle. Le moule utilisé pour le coulage de l’aluminium est fabriqué à partir de nos tirages en céramique.

Les crochets J sont sont produits par une fonderie française située dans les Ardennes.

The Gardener’s chair a été imaginée à l’occasion de l’exposition Slanted/Enchanted célébrant l’expérimentation et les méthodes de production improvisées dans l’atelier du designer. Une exposition initiée par Jamie Wolfond à la galerie Erin Stump Projects.

En général, nous ne fabriquons pas d’objets finis dans notre atelier, mais nous utilisons des subterfuges pour simuler en volume certains matériaux et procédés industriels. Il arrive que nous trouvions dans ces matériaux de maquettage des qualités qui leur sont propres et qui ouvrent alors de nouvelles possibilités.

Nous voulions présenter une chaise qui évoque visuellement l’étape de la maquette. Comme la recherche d’une courbe circulant autour d’une structure en bois simple, tout en étant une chaise fonctionnelle.

La flexibilité du tuyau d’arrosage nous a permis de travailler en volume le dessin du dossier et des accoudoirs. Sa souplesse nous permettait également d’envisager un assemblage vissé efficace avec la partie en bois. Le dossier et les accoudoirs sont légèrement souples bien qu’en tension autour de la structure en bois, permettant alors un certain maintien du corps. Des profilés en acier sont insérés dans les pieds avants pour les rigidifier.

Cette chaise hybride illustre aussi notre intérêt pour les objets réparés. S’ils existent modestement en dehors du monde et de l’histoire du design, ces objets manifestent souvent des astuces et une esthétique aussi surprenantes que singulières.

Erin Stump Projects, 1558 Dupont street, Toronto. Du 21 Janvier au 26 février 2023. Photo © Sean Davidson

Nous avons réalisé une scénographie en trois actes des expositions « Incubateur 2020-21 » pour le french design (VIA). Conçue comme un système flexible pour ces trois expositions successives, les rouleaux de film miroir sans tain et les scotchs jaunes s’enroulent et se déroulent en fonction des objets présentés.

Les pans de film miroir, installés face aux vitrines de la galerie, reflètent la lumière naturelle et réfléchissent partiellement la surface des objets exposés, attirant l’oeil depuis la rue. Pensé pour le ré-emploi, tous les matériaux utilisés sont composés entre eux par des assemblages simples, n’abîmant pas la matière.

Les expositions sont visibles du 2 septembre au 4 novembre 2021. Galerie du French Design, 120 avenue Ledru Rollin, 75011 Paris

Graphisme et identité visuelle: Louise Cirou

Tondo est un miroir mural dessiné pour l’éditeur français Cinna. Son dessin a été guidé par la technique du fil d’acier cintré. Une simple ligne continue sur laquelle repose un miroir.

Afin de simplifier sa fabrication et de l’imaginer produit à grande échelle, l’élément miroir est de taille standard. C’est la structure autour qui vient dessiner et structurer l’ensemble du miroir mural.

La pièce d’acier filaire accueille le miroir qui est simplement glissé à l’intérieur sans aucune fixation. Le miroir est indépendant de la structure dans laquelle il est déposé et maintenu serré à l’aide du retour du fil d’acier.

Quincaillerie est un projet qui trouve son origine dans un système de production simple: l’extrusion circulaire de grès porcelainique. La terre est extrudée en rondin linéaire coupé à longueur voulue, déformé spontanément et sans dessin préalable puis écrasé ponctuellement pour accueillir les vis. Cette technique de production permet la variation formelle autour d’un profilé de base. Chaque patère est unique et numérotée.

L’exèdre est, à l’origine, un banc de pierre monumental semi-circulaire présent dans les jardins de la Grèce et la Rome antique. Nous avons choisi de le re-dessiner en lui soustrayant sa dimension spectaculaire, tout en conservant sa forme et la symbolique qui l’accompagne.

Sa typologie circulaire va à l’encontre de la science des flux, elle casse les axes et interpelle la pause comme moment privilégié. La structure de notre objet est simple: une assise circulaire et commune en bois autour de laquelle est plaçée chaque dossier, assurant ensemble l’équilibre du banc.

Ce banc se présente comme un système adaptable à différents lieux: chaque dossier est indépendant de l’assise et permet de changer la forme de la base.
Il est désormais installé dans un jardin public de l’éco-quartier des Bergères à Puteaux.

Recherche en maquette 1:10 et dessins format 50 x 65 cm
La Cité est un projet que nous présentons comme une longue interrogation à propos de nos espaces partagés. Nous explorons l’image d’une ville ou le designer serait libre de dessiner le paysage urbain, peut être autant qu’il puisse l’être lorsqu’il dessine pour des espaces privés. Sans nous placer dans un cas d’étude précis, nous commençons cette réflexion par considérer la ville comme un grand laboratoire de formes et de couleurs.

Notre point de fixation est le banc : objet non possédé, à moi et à tout le monde. S’asseoir sur un banc c’est faire l’expérience commune et simultanée d’un dessin, c’est partager un même support matériel. En explorant une idée de l’objet banc, en maquettes et en dessins dans un premier temps, et en nous éloignant souvent de la typologie commune du banc public, nous avons pensé ces objets comme des territoires. Ces différentes compositions, où l’étendue de matière et la diversité des formes offrent différentes interprétations, laissent la possibilité d’une libre appropriation.

Nous imaginons chacune de nos propositions formelles vivre indépendamment des autres, comme différents points d’exclamation dans le paysage urbain. Chacune se répond et se nourrie de l’autre ; nous les avons travaillées comme un seul projet.

Inselberg est une micro-tribune pour des espaces communs intérieurs.
La construction repose sur une pièce en lamellé-collé d’érable moulé. Cette strate de 25 cm de large peut être répétée indéfiniment le long d’un pied construit à la manière d’un tréteau. La longueur de l’objet peut ainsi être défini selon l’espace d’installation. Le demi IPN est souligné par la couleur comme élément de mesure.

Plimpton 322 est une source lumineuse hybride, entre lampadaire, applique et suspension. Sa forme crée un rapport particulier à l’espace par sa nécessité à trouver un appui ou un point de suspension.
C’est une lampe qui se pratique et dont il faut en quelque sorte achever le design, en trouvant l’équilibre, en explorant les différentes positions possibles et en choisissant la direction du faisceau lumineux.

Des vases est une collection où chaque vase est composé de différentes pièces indépendantes pouvant être assemblées, séparées, mélangées. Comme un jeu d’assemblage, ce répertoire de formes, de matériaux et de couleurs est ouvert à la construction et la déconstruction de différentes compositions.
Le dessin durant le développement de ce projet a été un médium essentiel afin d’approcher cette idée du vase en prenant une distance avec la forme habituellement immuable et monobloc du vase.

Tombolo s’approprie la typologie domestique du daybed. Ici les traversins sont en bois. Pouvant servir de repose-tête, d’accoudoir, ou de simple séparateur, ces rondins roulent le long de ce banc. Chacun est alors libre d’organiser, de séquencer ce banc à sa convenance.

Ce banc recommande la position allongé dans l’espace public comme une autre façon de faire l’expérience de la ville par les sons, par les odeurs, le regard détourné de l’activité environnante.

Durant toute l’année 2019-2020 nous avons animé des workshops design pour des enfants de 8 à 16 ans à la villa Noailles.

Avec les enfants, nous avons construit un espace modulable dans lequel leurs créations personnelles se mélangent et s’assemblent pour créer un espace collectif. Les tabourets disposés les uns contre les autres deviennent un banc; les abat-jours liés ensemble se transforment en guirlande et les tables réunies créent un paysage de formes avec diverses hauteurs.

Avec les adolescents, nous avons dessiné différents objets du quotidien en suivant une même démarche artistique: celle de détourner des formes existantes et des matériaux semi-finis pour travailler le dessin d’un objet par la composition et l’assemblage. C’est un processus qui invite à essayer des constructions directement en volume et à l’échelle. Avec ces assemblages spontanés et construits de manière libre, nous avons exploré différents usages: s’asseoir, éclairer, contenir, …

Avec les élèves en séjour de rééducation à l’hôpital Pomponiana à Hyères, nous avons dessiné et construit le mobilier de leur espace récréatif extérieur. Ce lieu qu’ils utilisent pour leur temps de pause était vide et terne. Après avoir expérimenté plusieurs idées en maquette en papier, nous l’avons aménagé avec un banc, des plantes et de la couleur.

We aimed to design a wooden chair that is comfortable, generous in its proportions, and stackable. Its name, Ski, refers to the two crossbars that slalom between the front and back legs, ensuring its stability. The design alternates straight lines (legs and crossbars) with more pronounced curves (seat and backrest). The rounded sections of the legs are identical, simply reversed between front and back, as if a single piece had been cut in two.

The Ski chair was produced in a small number of pieces for an office in Lyon (France). It is made of solid oak in the Paris workshop of Léon Morisset.

Cut, Fold, Pinch is an exhibition conceived for the Milan-based gallery Small Small Space, set across two large display windows in a passage of the city center. Cut, fold, pinch refers to the gestures applied to flexible surfaces, such as textile for the Midday lamp shades and paper for the Vingt-quatre heures clocks. These different actions transform smooth flat surfaces into objects.

The paper and textile guide the form of these objects through the way they are structured, stretched, and folded. By seeking to give them volume, their shape is defined according to a structural logic. The lamps are made from a textile that inflates as it is pinched within an aluminum frame. The paper of the clock dial is strengthened by its folds. Conceived as an envelope, it slides into a wall-mounted structure that holds the clock a few centimeters away from the wall. The use of paper allows us to draw the dial with chalk, thus giving the drawing a functional purpose.

Cut, fold, pinch is a flat pack exhibition weighing 4.8 kg. November 20th- 23rd 2025

We sought to create a clock that evoke the movement of time through form. With no numbers or added signs, it’s the very deformation of the material that draws the hours and suggests a suspended rotation.

The earliest ways of measuring time relied on the movement of light and shadows. As a contemplative reflection of these methods, the aluminum surface of the clock reflects the day’s variations, transforming itself in response to the light.

As aluminum is highly expressive, we reduced the design to its simplest form: a square conceived as a bas-relief in which we created twelve circular imprints. The dial was initially crafted from clay, as this material allowed us to transition from a soft state, shaping the twelve deformations by hand, to a solid state, providing a foundation for creating a sand mold. The dial is casted by a foundry in the French Ardennes.

Vingt-quatre heures was imagined at the occasion of the exhibition 24 Hours, curated by designer Jamie Wolfond, who invited 24 designers to design a clock with a simple brief: create a wall clock that could fit into a 50 x 50 x 50 cm box.

PAM is a lamp in which 3D prints are the connecting elements. The four printed parts form the link, without screws or glue, between all the lamp’s components: an opal glass diffuser, a standard square tube, an aluminium plate and the electrical cable.

The name PAM is the acronym for « Pâte à modeler » (modeling clay in french) and it’s also an onomatopoeia for a sudden impact. Indeed, to make the models for the 3D prints, we used modeling clay, into which we pressed the aluminium profil and glass diffuser. We kept the irregular organic shapes that resulted from these models.

Limited edition of 10 copies, shop here.

Midday is a lamp made from little. Its thin aluminium frame pinches a technical fabric sheet, giving it a curved shape. Normally used to filter natural light, we moved this solar control fabric away from its original context to use it on artificial light. When the lamp is turned on, the lampshade reveals only the light sources, which seems to float.

The mesh of the fabric filters the light sufficiently to allow these bright shapes to be viewed without being dazzled. The frontside of the lamp diffuses a softened light while the back of the lamp, left open, emits a more powerful indirect light.

Designed for danish company Our Society, the Dots collection comprises a chair and a bistro table, suitable for both indoor and outdoor use. Each part of the chair and table is assembled using only screws, without welding. This screwed construction celebrate the fastener components as an aesthetic commitment. The thirteen allen screws needed to assemble the chair are fully part of the drawing.

The screwed construction also allows the furniture to be transported flat. Finally, this system of individual parts enabled us to create a two-tone table with a contrasting central element.

Dots has been designed thinking of the special way the aluminium surfaces can be animated by light. Therefore reduced to simple shapes, the chair and the table are compositions of plane and curve surfaces contrasting with neatly cut thick edges.

Dots collection is available here. Photos © Peter Vinther

J is a collection of cast aluminium wall hooks. It is directly linked to our project Quincaillerie, which was a series of self produced ceramic hooks. We have selected five shapes that we have transposed from the crafted process to an industrial process. The original ceramics are used as counter-forms to produce moulds for casting aluminium. In this way, shapes that were initially unique because of the handwork can be reproduced indefinitely.

J hooks are produced by a French foundry.

This chair is a project made for Slanted/enchanted, an exhibition that celebrates handmade experimentation and improvised production methods. An exhibition curated by Jamie Wolfond and talking place at Erin Stump Project Gallery.

«The Gardener had a broken chair. He fixed it with an old garden hose.» Behind this story, this project is about how we often use untraditional materials to make models that simulate finished objects. But sometimes, the material we use to fake another one turns out to have its own qualities, and opens up possibilities.

For Slanted/Enchanted, we wanted to present a chair that looks like a model, almost an ongoing curve study on a basic wood base, but yet is a finished and functional piece. Thus, we used hoses for the property and possibilities that it can offer: smooth bouncing curves, crushed parts, flexibility in backrest/armrests and strength. Steel profiles are inserted into the front feet hose parts to rigidify it.

The project is also about our fascination for all the anonymous hand-repaired furniture, which modestly exists outside the design world and history, yet often manifests very unique and spontaneous solutions.

For VIA (Le French design) we have designed a flexible exhibition system that allows three sets of objects to be presented, through three successive exhibitions. Roll mirror films and yellow tape are rolled up or unrolled depending on the placement of the pieces in the gallery for each exhibition.

Placed facing the windows, the one-way mirror films reflect natural light as well as objects, creating a catching view from the street. The system is designed with gentle assembly so all of the materials can be re-used in a perfect state after the exhibition.

Exhibitions from 2 September to 4th November 2021. French Design gallery, 120 avenue Ledru Rollin, 75011 Paris

Graphic design: Louise Cirou

Tondo is a wall mirror produced by the french company Cinna. The design has been driven by CNC wire bending machine process.

These machines (which allows very quick pieces making) induced a single continuous line drawing. We draw it as a loop in which the mirror is then simply slid and maintained without requiring fixation.

Quincaillerie is an unlimited self-produced series of coat hooks. The production follows a method which starts with the extrusion of clay logs, as an initial basic profile open to formal variations. Logs are then cut to the desired length, spontaneously deformed without prior drawing, and finally pressed at the screws locations. Each piece is unique and numbered.

Originally, the exedra is a half circular monumental stone bench located in public gardens during ancient Greece and Rome. We wanted to re-design this antique piece in our own way, keeping the symbolic shape but depriving the spectacular and massive dimension.

The circular typology is an opposition to the predominance of flux science in our public spaces. It breaks axes and calls the pause as a privileged moment.

In our exedra, each foot extend in individual backrests as an evocation of individualities gathered around a common base. The structure is about collective effort : a circular communal base in wood around which the backrest-foot steel pieces assure together the stability of the bench.

This bench is based on a construction system which let the possibility of different shapes and size of benches.
The bench Exèdre is now installed in a public garden in the city of Puteaux, near Paris.

Researches, 1:10 models and drawings (50 x 65 cm)La Cité is an open question about our public spaces. We explored an image of a city where the designer could draw streetscape furniture as freely as he is when he draw private furniture. Without defining a specific context, we began this reflexion by considering public space as a large laboratory of shapes and colors.

And our attachment point is the bench. This object which is never possessed but belongs to me as well as everyone. To sit together on a bench is to make a simultaneous experience of a drawing. It is to share the same material support. By exploring a particular idea of benches with models and drawings first, we thought about bodies and eyes : guide them to each other, or isolate them to better gather them together. By taking a distance with usual public bench typology, we considered these objects as territories, as spaces into spaces which would ask users to make choices. Our material expenses and shapes compositions were always accompagned by the exquisite prospect of users free appropriation.

Every of our proposal is thought to exist independently to each other, as so many exclamation marks in streetscape. For all that, every of it fed each other and we definitely worked all the propositions as a single project.

Inselberg is a bleacher for interior collective spaces (such as public library, hall station, universities, museum halls…).
The construction is based on the repetition of a bent laminated poplar piece. This 25cm wide layer can be repeated over and over along a trestle like feet. The object length can thus be defined according to the space for which it is aimed. The T beam feet part is underlined with yellow as the element of measurement.

Hybrid of a wall lamp, a floor lamp and a pendant, Plimpton 322 is a light source that can be used in different ways. The lamp shape create a special relationship with the space because of its need to find a bearing point or a suspension element. This lamp asks for some practice, discovery and choices. Finding the balance, exploring the possible positions, and deciding the light beam direction, is in a way about finishing Plimpton 322 design.

Des Vases/This project is a collection where each vase is composed of several independent pieces which can be put together. As an assembly game, this repertoire of shapes, materials and colors let the constructions and deconstructions open to different compositions.
Drawings was the central medium and essential tool to reach this vase idea which take a distance with the one-piece commun vase form.

Tombolo is a public bench that plays with the domestic typology of daybeds with bolster pillows. As armrests, headrests or just as partitions, the wood cylinders are movable along the bench. Everyone is free to play with it as desired and needed. The bench is built with wood profiles. They are cut at the good length after being painted in order to highlight the repetitive construction logic.

The aim behind shifting an indoor and possessed object to an outdoor and shared object is to blur the private/public boundary. (As an invitation to Abitare la città, as proclaimed by Ugo La Pietra). Tombolo calls the break as a special time. It recommends the lying position as a way to experience the city by the sounds, with eyes turned away from the surrounding activity and materiality.

In 2019-2020 we animated the annual design workshops for 8 to 16 years old kids at Villa Noailles.

With the younger ones (8 to 12 years old), we built over the year a shared space at their scale. They created a whole room where their personal creations met and gathered into a common and modular place. Stools could be grouped as a bench, lamps where hang together to become string lights, tables brought together turned into a landscape of shapes at different height….

With teenagers (12 to 16 years), we created series of daily-use objets following a specific approach: we diverted existing pieces and semi-finished products to design new objets and functions. Through composition, assembly, construction and deconstruction, and always at scale 1, we encouraged the teenagers to explore simple objects as seats, lights and vases with spontaneity and instinct.

With schoolchildren who stay at Pomponiana Hospital (at Hyères) for long reeducation periods, we draw and built furniture for an outdoor space they use for breaks. They asked to work on this place because it was dull and empty. After exchanging ideas with paper models and drawings, we set this space up with a bench, some plants, and colors.